{"title":"National Gallery of Canada","description":"","products":[{"product_id":"colville","title":"Colville","description":"\u003ch3\u003eAbout\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003e\"Andrew Hunter has looked with fresh eyes at [Colville's] paintings and made a coherent argument that Colville deserves to be understood far beyond the normal borders of the art world.\" — Robert Fulford, \u003ci\u003eThe National Post\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e \u003cp\u003eThis magnificent, best-selling volume is now available in a deluxe paper-bound edition. The original hardcover edition sold more than 15,000 copies.\u003c\/p\u003e \u003cp\u003e\u003ci\u003eColville\u003c\/i\u003e both honours the legacy of an iconic Canadian artist and explores the contemporary reverberations of his work. Colville was known for being his own man. His paintings depict an elusive tension, a deep sense of danger, capturing moments perpetually on the edge of the unknown. A painter, printmaker, and war artist who drew his inspiration from the world around him, Colville transformed the seemingly mundane events of everyday life into archetypes of the modern condition.\u003c\/p\u003e \u003cp\u003eIn this beautifully designed volume, Andrew Hunter organizes \u003ci\u003eColville\u003c\/i\u003e thematically, incorporating interludes that explore the relationship between Colville's work and the filmmaking of Wes Anderson, Stanley Kubrick, and Sarah Polley, as well as his influence on writers such as Alice Munro and even cartoonist David Collier. The book is rounded out with more than 100 colour reproductions of Colville's paintings, spanning the entirety of his career, including \u003ci\u003eHorse and Train\u003c\/i\u003e, 1953; \u003ci\u003eTo Prince Edward Island\u003c\/i\u003e, 1965; \u003ci\u003eWoman in Bathtub\u003c\/i\u003e, 1973; and \u003ci\u003eTarget Pistol and Man\u003c\/i\u003e, 1980.\u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eAuthor\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eAndrew Hunter is a freelance curator, artist, writer, and educator. Hunter was previously the Frederik S. Eaton Curator of Canadian Art at the Art Gallery of Ontario, where he produced major exhibitions and publications including \u003ci\u003eEvery Now Then: Reframing Nationhood\u003c\/i\u003e, \u003ci\u003eIn the Ward: Lawren Harris, Toronto \u0026amp; the Idea of North\u003c\/i\u003e, and \u003ci\u003eColville\u003c\/i\u003e.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eBorn in Hamilton and a graduate of the Nova Scotia College of Art \u0026amp; Design, Hunter has held curatorial positions across Canada, including at the Vancouver Art Gallery and the Art Gallery of Hamilton. He has taught at the Ontario College of Art and Design University and the University of Waterloo and lectured on curatorial practice across Canada, the United States, England, China, and Croatia. He is a member of the advisory board for the Institute for the Study of Canadian Slavery at NSCAD.\u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eReviews\u003c\/h3\u003e\"More than any other artist in Canada, Colville has a galvanizing, sea-to-shining-sea appeal.\" — \u003ci\u003eToronto Star\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\"Splendid. ... show[s] the continued relevance of Colville’s imagery — characterised as it is by edginess, unease, and a tension between specificity and universality — to contemporary society.\" — \u003ci\u003eBritish Journal of Canadian Studies\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e168 pages\u003cbr\u003ePub date: June 27, 2017\u003cbr\u003e","brand":"Andrew Hunter","offers":[{"title":"Paperback (Slightly Damaged Copies Only) 9780864928962 $20","offer_id":33750458702,"sku":"9780864928962","price":20.0,"currency_code":"CAD","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1403\/7679\/files\/1313.jpg?v=1744040447"},{"product_id":"halifax-harbour-1918-le-port-dhalifax-1918-english-french","title":"Halifax Harbour 1918 \/ Le port d'Halifax 1918","description":"\u003cp\u003e\u003cb\u003eTwo wartime artists, one bustling harbour, and a city ravaged by the Halifax Explosion. Two perspectives on Halifax one year after the Explosion.\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eA year after the city was devastated by the Halifax Explosion Harold Gilman (British, 1876–1919) and Arthur Lismer (Canadian, 1885–1969) were working in Halifax as war artists. Both commissioned by the Canadian War Memorials Fund to record the war activity on the home front, the two men struck up a friendship and worked side-by-side on occasion.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eGilman seemed to wipe clean the desolation of the Explosion, ignoring the site of a human-made catastrophe in favour of a glowing landscape. In contrast, Lismer, a member of the Group of Seven, recorded the port’s activity up close, producing a series of drawings and paintings of camouflaged battleships embedded in the Maritime landscape.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eWith more than 30 reproductions and essays by Anabelle Kienle Poňka, Lily Foster, and Sarah Fillmore, \u003ci\u003eHalifax Harbour 1918\u003c\/i\u003e traces the artists’ meticulous approach to their mission and their role during a critical moment in the history of Canadian landscape painting.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eDeux artistes en temps de guerre, un port animé et une ville ravagée par l'explosion d'Halifax. Deux perspectives d’Halifax un an après l'explosion.\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEn juin 1918, l’artiste Arthur Lismer (1885–1969) accepte une commande du Fonds de souvenirs de guerre canadiens (le Fonds) et se rend à Halifax pour documenter l’effort de guerre sur le front canadien et représenter le port de cette ville à la suite de l’explosion d’origine humaine la plus meurtrière à survenir avant l’apparition des armes nucléaires.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDe son côté Harold Gilman (1876–1919), grande figure du groupe londonien Camden Town Group et seul artiste de guerre britannique envoyé au Canada, est chargé par le Fonds de peindre un grand tableau du port de Halifax pendant la guerre.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eAvec plus de 30 reproductions et essais d’Anabelle Kienle Poňka, Lily Foster, et Sarah Fillmore, \u003ci\u003ele port d’Halifax 1918\u003c\/i\u003e  retracent l'approche méticuleuse des artistes à leur mission, les défis de travailler au lendemain de la tragédie et leur rôle au cours d'une moment dans l'histoire de la peinture de paysage canadienne.\u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eAuthor\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eAnabelle Kienle Poňka is Associate Curator of European and American Art at the National Gallery of Canada where she has curated exhibitions on Van Gogh, Picasso, and Duchamp. A native of Germany, she holds a PhD in Art History from the University of Münster and has worked in Germany, the USA, and Canada.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eAnabelle Kienle Poňka est conservatrice associée de l'art européen et américain au Musée des beaux-arts du Canada où elle a organisé des expositions sur Van Gogh, Picasso et Duchamp. Originaire d'Allemagne, elle est titulaire d'un doctorat en histoire de l'art de l'Université de Münster et a travaillé en Allemagne, aux États-Unis et au Canada.\u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e124 pages\u003cbr\u003ePub date: October 9, 2018\u003cbr\u003e","brand":"Anabelle Kienle Ponka","offers":[{"title":"Paperback\u0026nbsp;\u0026nbsp;9781773100876\u0026nbsp;\u0026nbsp;$35","offer_id":7209146187833,"sku":"9781773100876","price":35.0,"currency_code":"CAD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1403\/7679\/files\/9781773100876_FC.jpg?v=1781165744"},{"product_id":"winter-count-compte-dhiver","title":"Winter Count | Compte d'hiver (English\/French)","description":"\u003cp\u003e\u003ci\u003eWinter Count\u003c\/i\u003e draws inspiration from the Plains First Nations practices of recording significant events each winter, a visual reminder that helps structure histories and traditions passed down to future generations. This handsome volume explores how winter has long shaped Indigenous, Canadian settler, and northern European art, uniting different cultural perspectives through such diverse topics as storytelling, effects of light, physical adaptation, and community and isolation. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003ePresenting a selection of works spanning from the early 19th century to the present day — including artists such as Kenojuak Ashevak, J.E.H. MacDonald, Claude Monet, Kent Monkman, Megan Musseau, and Jin-me Yoon — \u003ci\u003eWinter Count\u003c\/i\u003e features approximately 170 plates, along with illustrated essays by curators from the National Gallery of Canada. The result is a book that invites readers to see winter anew — not as a season to be endured, but as a source of invention, connection, and mutual respect across time and place.\u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eAuthor\u003c\/h3\u003eKaterina Atanassova is Senior Curator, Canadian Art, at the National Gallery of Canada.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWahsontiio Cross is Associate Curator, Indigenous Ways and Decolonization, at the National Gallery of Canada.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAnabelle Kienle Ponka is Senior Curator, European, American, and Asian Art, at the National Gallery of Canada.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eJocelyn Piirainen is an urban Inuk, originally from Ikaluktutiak (Cambridge Bay), Nunavut. She is Associate Curator, Inuit Art in the Indigenous Ways and Decolonization department at the National Gallery of Canada. Piirainen’s recent curatorial work included \u003ci\u003eWinter Count: Embracing the Cold\u003c\/i\u003e at the National Gallery of Canada. The former Associate Curator of Inuit Art at the Winnipeg Art Gallery and Qaumajuq worked on numerous exhibitions including \u003ci\u003eᐊᖏᕐᕋᒧᑦ\/Ruovttu Guvlui\/Towards Home\u003c\/i\u003e with the Canadian Centre for Architecture in Montreal and co-curated the landmark exhibition \u003ci\u003eTunirrusiangit: Kenojuak Ashevak and Tim Pitsiulak\u003c\/i\u003e, presented at the Art Gallery of Ontario. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eInuk du monde urbain, Jocelyn Piirainen, née à Ikaluktutiak (Cambridge Bay), au Nunavut, est conservatrice associée d’art inuit à la section Voies autochtones et décolonisation du Musée des beaux-arts du Canada, où elle a récemment été commissaire de l’exposition \u003ci\u003eCompte d’hiver : au cœur du froid\u003c\/i\u003e. Elle a été auparavant conservatrice associée d’art inuit au Musée des beaux-arts de Winnipeg-Qaumajuq, où elle a participé à l’organisation de nombreuses expositions, dont \u003ci\u003eᐊᖏᕐᕋᒧᑦ\/Ruovttu Guvlui\/Towards Home\/Vers chez soi\u003c\/i\u003e, présentée en collaboration avec le Centre canadien d’architecture, de Montréal, en plus d’être co-commissaire de \u003ci\u003eTunirrusiangit: Kenojuak Ashevak and Tim Pitsiulak\u003c\/i\u003e, une exposition marquante de l’Art Gallery of Ontario. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eReviews\u003c\/h3\u003e“From impressionist superstars to Group of Seven heroes, from Scandinavian snowscape specialists to Inuit printmakers, these pages brim with delight in winter scenes along with the pleasures of cozy interiors.” — \u003ci\u003eLiterary Review of Canada\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e304 pages\u003cbr\u003ePub date: January 20, 2026\u003cbr\u003e","brand":"Katerina Atanassova, Wahsontiio Cross, Anabelle Kienle Ponka, Jocelyn Piirainen","offers":[{"title":"Paperback\u0026nbsp;\u0026nbsp;9781773104928\u0026nbsp;\u0026nbsp;$55","offer_id":46797130432751,"sku":"9781773104928","price":55.0,"currency_code":"CAD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1403\/7679\/files\/9781773104928_FC.jpg?v=1781167236"},{"product_id":"takao-tanabe","title":"Takao Tanabe (English\/French)","description":"\u003cp\u003e\u003ci\u003eTakao Tanabe\u003c\/i\u003e celebrates the remarkable 70-year career of Takao Tanabe. Beginning with his training as an artist in Winnipeg and his subsequent development as a Modernist in New York, this career-spanning book takes readers through his period as an abstract artist on the Canadian Prairies in the 1970s and his eventual embrace of landscape painting upon his return  to the West Coast in the early 1980s. This last turn is exemplified by his famous series of “Inside Passage” paintings: light-bathed depictions of  the Georgia Straight that evoke its changing landscape and weather. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e \u003ci\u003eTakao Tanabe\u003c\/i\u003e showcases the artist’s innovation and evolution over the course of his prolific career. This gorgeous volume invites readers to engage with fresh perspectives on Tanabe’s legacy, to reflect on his enduring impact on the development of Canadian art, and to celebrate his remarkable centenary. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eTakao Tanabe, born in 1926 in Seal Cove, part of Prince Rupert in British Columbia, is a second-generation Japanese Canadian artist who has built a distinguished career as one of Canada’s most prolific and influential painters. Renowned for his abstract and representational landscapes, Tanabe’s work distills the essence of place through a masterful command of form and colour, combined with his keen observational eye and impeccable brush strokes. He transforms familiar Canadian terrains and coastal sceneries into extraordinary, luminous compositions that convey both serenity and energy. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eTanabe’s influence extends far beyond his technical skill, leaving a permanent mark on the development of Canadian art. His practice reflects a unique fusion of artistic sensibilities, merging Western and Eastern art traditions with the modernist movements of postwar Canada. His contributions to the artistic movement in Canada have earned him numerous honours, including the Governor General’s Award in Visual and Media Arts and the Order of Canada. Tanabe’s enduring legacy speaks to his ability to transcend the visual landscape and inspire his art viewers. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003ci\u003eTakao Tanabe\u003c\/i\u003e célèbre les 70 ans de la remarquable carrière de Takao Tanabe. L’exposition retrace son parcours depuis sa formation en art à Winnipeg et son évolution vers le modernisme à New York, en passant par sa période abstraite dans les Prairies canadiennes dans des années 1970, jusqu’à son virage vers la peinture de paysages à son retour sur la côte ouest, au début des années 1980. Cette dernière orientation est illustrée par sa célèbre série connue sous le nom \u003ci\u003ed’Inside Passage\u003c\/i\u003e (passage intérieur), des tableaux baignés de lumière qui évoquent les paysages et les conditions météorologiques changeantes du détroit de Géorgie. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eComportant des textes des commissaires d’exposition Jonathan Shaughnessy, Kiriko Watanabe et Steven McNeil, ainsi qu’un essai de Sherri Kajiwara du Nikkei National Museum and Cultural Centre, \u003ci\u003eTakao Tanabe\u003c\/i\u003e donne à voir le caractère novateur de l’art de Tanabe et son évolution au long d’une carrière prolifique. Cet ouvrage magnifique invite les lecteurs à découvrir de nouvelles perspectives sur le legs de Tanabe, à réfléchir à l’importance de son rôle dans le développement de l’art canadien et à célébrer son remarquable centenaire. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe catalogue \u003ci\u003eTakao Tanabe. Passage intérieur\u003c\/i\u003e accompagne l’exposition du même nom, qui ouvrira au Audain Art Museum en juin 2026 avant d’être présentée au Musée des beaux-arts du Canada et à l’Art Gallery of Greater Victoria. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eNé en 1926 à Seal Cove, dans la région de Prince Rupert en Colombie-Britannique, Takao Tanabe est un artiste canadien d’origine japonaise de deuxième génération qui s’est forgé une carrière remarquable, devenant l’un des peintres les plus prolifiques et les plus influents au pays. Réputé pour ses paysages abstraits et figuratifs, Tanabe saisit l’essence même des lieux par son usage magistral des formes et des couleurs, son sens de l’observation aigu et la maîtrise impeccable de ses coups de pinceau. Il transforme le relief et les paysages côtiers familiers du Canada en de captivantes et lumineuses compositions exprimant tout à la fois sérénité et énergie. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’influence de Tanabe va bien au-delà de ses compétences techniques et a marqué le développement de l’art canadien de manière indélébile. Sa pratique, qui marie les traditions occidentales et orientales avec le modernisme canadien d’après-guerre, constitue une fusion unique de sensibilités artistiques. Sa contribution artistique lui a valu de nombreuses distinctions, notamment le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques, et l’Ordre du Canada. Le legs durable de Tanabe témoigne de sa capacité à transcender le paysage visuel pour inspirer les amateurs d’art. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eAuthor\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eA fine-arts professional since 1992 as gallerist, gallery director, owner, writer, editor, publisher, and curator, Sherri Shinobu Kajiwara is a graduate of UBC’s Sauder School of Business and the Board of Trade’s Leadership Vancouver program. She co-owned Bjornson Kajiwara Gallery and Vantage Art Projects, an online arts communications company  that created parallel opportunities for artists through satellite exhibitions and on-demand prints. Sherri remains passionate about communication and collaboration in support of creativity. As Director Curator of the Nikkei National Museum, she is dedicated to the mission of honouring, preserving, and sharing the history\/heritage of Canadians of Japanese ancestry and Japanese culture in Canada.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eProfessionnelle dans le domaine de l’art depuis 1992 à titre de galeriste, d’autrice, d’éditrice et de conservatrice, Sherri Shinobu Kajiwara est diplômée de la Sauder School of Business de l’Université de la Colombie-Britannique et du programme Engaged Leadership Vancouver de la chambre de commerce du Grand Vancouver. Elle a été copropriétaire de la galerie Bjornson Kajiwara et de Vantage Art Projects, une entreprise de communication en ligne qui créait des occasions d’affaires parallèles pour les artistes grâce à des expositions satellites et des impressions à la demande. La passion de Sherri pour la communication et la collaboration au service de la créativité ne s’est pas démentie depuis. À titre de directrice et de conservatrice du Nikkei National Museum, elle se consacre à la mission d’honorer, de préserver et de diffuser l’histoire et le patrimoine des Canadiens d’origine japonaise et la culture japonaise au Canada. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eSteven McNeil is Chief Curator and Director of Exhibitions at the Art Gallery of Greater Victoria. His recent exhibitions include \u003ci\u003eHeart of the House: Art and The West Coast Modern Home\u003c\/i\u003e and \u003ci\u003eA View from Here: Reimagining the AGGV Collections\u003c\/i\u003e. He has held curatorial positions at the University of Toronto, the National Capital Commission, and the National Gallery of Canada. He has curated, co-curated and contributed to numerous exhibitions and installations focused on historical Canadian art, including \u003ci\u003eEmily Carr: New Perspectives on a Canadian Icon\u003c\/i\u003e. McNeil holds an M.A. in Canadian Art History from Carleton University and a B.A. (Hon) in Canadian History from the University of New Brunswick. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eTitulaire d’une maîtrise en histoire de l’art canadien de l’Université Carleton et d’un baccalauréat (avec distinction) en histoire canadienne de l’Université du Nouveau-Brunswick, Steven McNeil est conservateur en chef et directeur des expositions à l’Art Gallery of Greater Victoria. Parmi ses expositions récentes, citons \u003ci\u003eHeart of the House: Art and The West Coast Modern Home\u003c\/i\u003e et \u003ci\u003eA View from Here: Reimagining the AGGV Collections\u003c\/i\u003e. Il a occupé des postes en conservation à l’Université de Toronto, à la Commission de la capitale nationale et au Musée des beaux-arts du Canada. De plus, il a été conservateur, co-commissaire et collaborateur de nombreuses expositions et installations axées sur l’art canadien, notamment \u003ci\u003eEmily Carr : nouvelles perspectives sur une légende canadienne\u003c\/i\u003e. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eJonathan Shaughnessy is Director, Curatorial Initiatives and Interim Senior Curator of Contemporary Art at the National Gallery of Canada where his exhibitions include \u003ci\u003eDeanna Bowen: The Black Canadians (After Cooke)\u003c\/i\u003e; \u003ci\u003eVision Exchange: Perspectives from India to Canada\u003c\/i\u003e; and a series of three Canadian Biennials, among others. He is Coordinating Curator for the Canada Pavilion at the 2026 Venice Biennale featuring Abbas Akhavan and was Project Director for the 2022 and 2024 Canada Pavilion exhibitions featuring Stan Douglas and Kapwani Kiwanga, respectively. Since 2022 he has been Chair of the Sobey Art Award Jury. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eJonathan Shaughnessy est directeur des initiatives curatoriales et conservateur principal par intérim de l’art contemporain au Musée des beaux-arts du Canada, où il a notamment organisé les expositions \u003ci\u003eLes Canadiens noirs (après Cooke), de Deanna Bowen\u003c\/i\u003e ; \u003ci\u003ePerspectives croisées : de l’Inde au Canada\u003c\/i\u003e ; ainsi qu’une série de trois biennales canadiennes. Il est conservateur coordonnateur du pavillon du Canada à la Biennale de Venise 2026, qui présentera le travail d’Abbas Akhavan, et a été directeur de projet pour les expositions du pavillon du Canada en 2022 et 2024, qui mettaient respectivement à l’honneur Stan Douglas et Kapwani Kiwanga. Depuis 2022, il préside le jury du Prix Sobey pour les arts. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eKiriko Watanabe is a curator, writer, and art critic with extensive experience in museums and art galleries who currently works as the Gail and Stephen A. Jarislowsky Curator at the Audain Art Museum. Originally from Japan, she has a strong interest in the visual and design culture of British Columbia, with a focus on mid-century, West Coast, and Northwest Coast art. She curated and co-authored \u003ci\u003eSelwyn Pullan: Photographing Mid-Century West Coast Modernism\u003c\/i\u003e and received the Royal Architectural Institute of Canada’s Award of Excellence for her efforts towards the promotion of architecture. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa commissaire d’exposition, autrice et critique d’art Kiriko Watanabe a une vaste expérience du milieu des musées et des galeries. Elle occupe actuellement le poste de conservatrice Gail et Stephen A. Jarislowsky au Audain Art Museum. Originaire du Japon, elle s’intéresse particulièrement à la culture visuelle et au design de la Colombie-Britannique, notamment à l’art du milieu du XXe siècle, de la côte ouest et de la côte nord-ouest. Elle a été commissaire de l’exposition \u003ci\u003eSelwyn Pullan: Photographing Mid-Century West Coast Modernism\u003c\/i\u003e et co-autrice du catalogue qui l’accompagnait, et a reçu le prix d’excellence de l’Institut royal d’architecture du Canada pour ses initiatives en vue de promouvoir l’architecture. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e280 pages\u003cbr\u003ePub date: June 23, 2026\u003cbr\u003e","brand":"Sherri Shinobu Kajiwara, Steven McNeil, Jonathan Shaughnessy, Kiriko Watanabe","offers":[{"title":"Hardcover\u0026nbsp;\u0026nbsp;9781773104935\u0026nbsp;\u0026nbsp;$65","offer_id":47284666269935,"sku":"9781773104935","price":65.0,"currency_code":"CAD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1403\/7679\/files\/9781773104935_FC.jpg?v=1781338224"},{"product_id":"qillaniq","title":"Qillaniq (English\/French)","description":"\u003cp\u003e\u003ci\u003eQillaniq\u003c\/i\u003e accompanies the 2026 edition of the International exhibition of Indigenous art at the National Gallery of Canada. The title is based on the Inuktitut word describing the effect of light from the sun or the moon shimmering on water — appropriate for an exhibition and a publication focusing on the circumpolar world. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eThe art in \u003ci\u003eQillaniq\u003c\/i\u003e is multi-vocal, multi-disciplinary, and improvisational; it’s inspired by Indigenous values of contributing to community in as many ways as possible. It’s also an expression of radical joy, an exploration of what the artists tell us is possible in our communities, of holding space for the people who change our world — despite not always fitting into the norms of colonizing institutions. Most of all, it celebrates those who share love as an answer to difficulty. \u003ci\u003eQillaniq\u003c\/i\u003e — that shimmering, bright light — honours the circumpolar world’s badass artists who tell us all that our existence is enough. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eFeaturing essays by 24 contributors from the circumpolar world — Alaska, Inuit Nunangat, Kalaallit Nunaat, and Sápmi — and reproductions of work by nearly 70 artists from each of these territories, Qillaniq is a true celebration of the circumpolar North, not as the South might want it to be but as it is. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003ci\u003eQillaniq\u003c\/i\u003e, ce bel ouvrage qui accompagne l’exposition international d’art autochtone présentée en 2026 au Musée des beaux-arts du Canada, a pour titre le mot de la langue inuktitut qui désigne le miroitement des rayons du soleil ou de la lune sur l’eau. Pouvait-on mieux choisir, pour une exposition et un ouvrage qui célèbrent le monde circumpolaire? \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003ci\u003eQillaniq\u003c\/i\u003e nous offre un art polyphonique et multidisciplinaire, riche d’improvisations. Un art inspiré des valeurs autochtones qui privilégient l’apport au bien commun sous toutes les formes. Un art qui exprime une joie profonde, le message d’artistes qui voient tous les possibles dans nos communautés, qui fait place aux gens qui font évoluer notre monde en faisant fi des normes dictées par la colonisation. C’est, surtout, un art qui célèbre ceux et celles qui brandissent l’amour devant les écueils. \u003ci\u003eQillaniq\u003c\/i\u003e – miroitement, lumière vive –, est un hymne aux artistes rebelles du monde circumpolaire qui nous disent, à tous, que notre existence suffit. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eMariage d’essais de 24 auteurs et d’œuvres d’environ 70 artistes du monde circumpolaire (Alaska, Inuit Nunangat, Kalaallit Nunaat et Sápmi), \u003ci\u003eQillaniq\u003c\/i\u003e exalte un Nord circumpolaire authentique, qui ne cède pas aux injonctions du Sud. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eAuthor\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eJocelyn Piirainen is an urban Inuk, originally from Ikaluktutiak (Cambridge Bay), Nunavut. She is Associate Curator, Inuit Art in the Indigenous Ways and Decolonization department at the National Gallery of Canada. Piirainen’s recent curatorial work included \u003ci\u003eWinter Count: Embracing the Cold\u003c\/i\u003e at the National Gallery of Canada. The former Associate Curator of Inuit Art at the Winnipeg Art Gallery and Qaumajuq worked on numerous exhibitions including \u003ci\u003eᐊᖏᕐᕋᒧᑦ\/Ruovttu Guvlui\/Towards Home\u003c\/i\u003e with the Canadian Centre for Architecture in Montreal and co-curated the landmark exhibition \u003ci\u003eTunirrusiangit: Kenojuak Ashevak and Tim Pitsiulak\u003c\/i\u003e, presented at the Art Gallery of Ontario. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eInuk du monde urbain, Jocelyn Piirainen, née à Ikaluktutiak (Cambridge Bay), au Nunavut, est conservatrice associée d’art inuit à la section Voies autochtones et décolonisation du Musée des beaux-arts du Canada, où elle a récemment été commissaire de l’exposition \u003ci\u003eCompte d’hiver : au cœur du froid\u003c\/i\u003e. Elle a été auparavant conservatrice associée d’art inuit au Musée des beaux-arts de Winnipeg-Qaumajuq, où elle a participé à l’organisation de nombreuses expositions, dont \u003ci\u003eᐊᖏᕐᕋᒧᑦ\/Ruovttu Guvlui\/Towards Home\/Vers chez soi\u003c\/i\u003e, présentée en collaboration avec le Centre canadien d’architecture, de Montréal, en plus d’être co-commissaire de \u003ci\u003eTunirrusiangit: Kenojuak Ashevak and Tim Pitsiulak\u003c\/i\u003e, une exposition marquante de l’Art Gallery of Ontario. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eLaakkuluk Williamson is a Kalaaleq (Greenlandic Inuk) performance artist, poet, actor, curator, storyteller and writer. She is known for performing uaajeerneq, a Greenlandic mask dance. She performs internationally, collaborates with other artists, and is a fierce advocate for Inuit artists. She is the winner of the 2021 Sobey Art Award. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLaakkuluk Williamson, Kalaaleq (Inuk du Groenland), est artiste de performance, poète, actrice, conservatrice, conteuse et autrice, réputée pour l’\u003ci\u003euaajeerneq\u003c\/i\u003e, une danse de masques groenlandaise. Elle se produit partout au monde, souvent en collaboration avec d’autres artistes, et milite ardemment pour la visibilité des artistes inuits. Elle a remporté, en 2021, le Prix Sobey pour les arts. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eLiisa-Rávná Finbog (Rámavuol Liisa-Rávdná) (Sámi) is the curator of Indigenous art and Discursive Programming at the Munch Museum, Oslo and the founder of the Bárru Indigenous Academic Collective, an equitable and collective gathering of Arctic Indigenous scholars and thinkers. A long-time practitioner of duodji (Sámi practices of aesthetics and storytelling), Finbog examines duodji as a Sámi system of knowledge and the links between aesthetics and land in the Arctic in her research and writing. In 2022, she was co-curator of the Sámi Pavilion at the Venice Biennale. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLiisa-Rávná Finbog (Rámavuol Liisa-Rávdná) (Sámi) est conservatrice d’art indigène et discursif au Munch Museum d’Oslo et fondatrice du Bárru Indigenous Academic Collective, un regroupement équitable de spécialistes et de penseurs indigènes de l’Arctique. Finbog consacre ses recherches et ses écrits au \u003ci\u003eduodji\u003c\/i\u003e (art sámi combinant esthétique et récit qu’elle pratique depuis longtemps) comme système de connaissances, ainsi qu’aux liens entre esthétique et territoire dans l’Arctique. En 2022, elle a été co-commissaire du pavillon sámi Pavilion à la Biennale de Venise. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eNadia Jackinsky-Sethi (Alutiiq) is an art historian, museum consultant, and author based in Kachemak Bay, Alaska. She focuses her work on Alaska Native arts revitalization and Indigenous aesthetics. She is a program director at The CIRI Foundation, where she oversees programs supporting Alaska Native arts practices. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eNadia Jackinsky-Sethi (Alutiiq) est historienne de l’art, conseillère en muséologie et autrice. Elle se consacre à la revitalisation des arts autochtones d’Alaska – elle vit à Kachemak Bay – et à l’esthétique autochtone. Elle est directrice des programmes de financement de la pratique artistique autochtone d’Alaska à la CIRI Foundation. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eOoleepeeka Eegeesiak is an Inuk\/qallunaaq born in Iqaluit, Nunavut; raised in Treaty 6 and 7, she currently lives in unceded Anishinaabe Algonquin lands, Ottawa. She is an emerging curator in the Indigenous Ways and Decolonization department, whose writing and visual interests centre around diaspora, kinship, ecology, queer futurity, storytelling, and climate change. Her additional curatorial projects include \u003ci\u003eThe Shape a Name Takes\u003c\/i\u003e, which identified Inuit artworks in the University of Lethbridge art collection previously designated as “unknown artist.” She also edited the zine that was part of the \u003ci\u003e miut\u003c\/i\u003e exhibition at Mitchell Art Gallery, which examined what it means to be Inuk living in the south. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eOoleepeeka Eegeesiak, d’origine inuk et qallunaaq, est née à Iqaluit, au Nunavut, et a grandi dans les territoires visés par les Traités 6 et 7. Elle vit actuellement sur des territoires anishinaabe et algonquins non cédés, à Ottawa. Conservatrice montante à la section des Voies autochtones et de la décolonisation, elle consacre ses écrits et ses recherches visuelles à la diaspora, à la parenté, à l’écologie, à l’avenir queer, au récit et aux changements climatiques. À titre de conservatrice, elle a participé au projet intitulé \u003ci\u003eThe Shape a Name Takes\u003c\/i\u003e, qui consistait à identifier avec leurs auteurs des œuvres d’art inuit de la collection de l’Université de Lethbridge marquées jusque-là de la mention « Auteur inconnu ». Elle a également été rédactrice en chef du zine associé à l’exposition \u003ci\u003e-miut\u003c\/i\u003e, présentée à la Mitchell Art Gallery et consacrée à la vie des Inuks dans le Sud. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eTaqralik Partridge is a writer, spoken word poet, artist, and curator originally from Kuujjuaq, Nunavik, now living in Ottawa. Partridge’s writing focuses on life in both the north and southern urban centres, as well as the experiences of Inuit. Her performance work has been featured on CBC Radio One, and her writing has been reproduced in Swedish and French language translations. Her short story “Igloolik” won first prize in the 2010 Quebec Writing Competition and has been published in Swedish and French. She was nominated for the Sobey Art Award in 2024. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eTaqralik Partridge est autrice, poète de création parlée, artiste et conservatrice. Originaire de Kuujjuaq, au Nunavik, elle vit maintenant à Ottawa. Ses écrits portent principalement sur la vie dans le Nord et dans les centres urbains du Sud, et sur l’expérience des Inuits. Ses performances ont eu les honneurs de CBC Radio One, et ses écrits ont été traduits en suédois et en français. Sa nouvelle intitulée \u003ci\u003eIgloolik\u003c\/i\u003e lui a valu le premier prix du Quebec Writing Competition, en 2010, et a été publiée en suédois et en français. Elle a été candidate au Prix Sobey pour les arts en 2024. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e272 pages\u003cbr\u003ePub date: June 16, 2026\u003cbr\u003e","brand":"Jocelyn Piirainen, Laakkuluk Williamson, Liisa-Rávná Finbog (Rámavuol Liisa-Rávdná), Nadia Jackinsky-Sethi, Ooleepeeka Eegeesiak, Taqralik Partridge","offers":[{"title":"Paperback\u0026nbsp;\u0026nbsp;9781773105086\u0026nbsp;\u0026nbsp;$49.95","offer_id":47797197668591,"sku":"9781773105086","price":49.95,"currency_code":"CAD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1403\/7679\/files\/9781773105086_FC.jpg?v=1781167296"},{"product_id":"abadakone-continuous-fire-feu-continuel","title":"Àbadakone | Continuous Fire | Feu continuel","description":"\u003cp\u003eOriginally published to accompany the second contemporary international Indigenous art exhibition at the National Gallery of Canada in 2019, \u003ci\u003eÀbadakone | Continuous Fire | Feu continuel\u003c\/i\u003e taps into the global pulse of Indigenous artistic production. It builds on themes of continuity, activation, and relatedness, exploring the creativity, concerns, and vitality of Indigenous art from virtually every continent. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003ci\u003eÀbadakone\u003c\/i\u003e features work by more than 70 contemporary Indigenous artists identifying with almost 40 Indigenous nations, ethnicities, and tribal affiliations across Turtle Island and beyond, including Anishinaabe artist Rebecca Belmore, Maya-Tz’utujil artist Manuel Chavajay, and Hlubi artist Siwa Mgoboza. These stunning works are accompanied by major essays by artists and curators, covering topics as diverse as the curatorial methodology behind the exhibitions, Indigenous performance art, African art and Indigeneity, and the intersection of Indigenous art and global art history narratives in an age of post-colonialism and decolonization. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003ePublié d’abord à l’occasion de la deuxième Exposition internationale d’art indigène contemporain au Musée des beaux-arts du Canada, en 2019, \u003ci\u003eÀbadakone | Continuous Fire | Feu continuel\u003c\/i\u003e reflète le dynamisme de la production artistique autochtone à l’échelle internationale. L’ouvrage exploite des thèmes comme la continuité, l’activation et la connectivité, et met en valeur la créativité, les questionnements et la vitalité de l’art indigène de tous les continents, ou presque. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003ci\u003eÀbadakone\u003c\/i\u003e propose des œuvres de plus de 70 artistes autochtones contemporains représentant près de 40 nations, ethnicités et affiliations tribales, de l’île de la Tortue et d’ailleurs. Entre autres : Rebecca Belmore, artiste anishinaabe, Manuel Chavajay, du peuple maya-tz’utujil, et Siwa Mgoboza, du groupe ethnique hlubi. Ces œuvres remarquables s’accompagnent d’essais fouillés, de la part d’artistes et de conservateurs, sur des sujets allant de la méthodologie de la conversation et de l’exposition à l’art performance autochtone, en passant par l’art africain, l’indigénéité et l’intersection entre les récits que portent l’histoire de l’art autochtone et celle de l’art global, à l’ère du postcolonialisme et de la décolonisation.  \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eAuthor\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eRachelle Dickenson is a curator of white settler (British, Irish) and Red River Métis ancestry, connected through kinship ties with Jesse (née Pruden) Dickenson and Bert Dickenson, and their children. She identifies like this to convey both her own experiences and the ways in which she carries her relatives with her. She has a PhD from Carleton University, Ottawa, and has taught courses in curatorial studies and Indigenous and white settler art histories. Most recently, Dickenson co-curated \u003ci\u003eNadia Myre: Waves of Want\u003c\/i\u003e at the National Gallery of Canada (2025) and \u003ci\u003eStories My Father Couldn’t Tell Me: Jeff Thomas Origin\u003c\/i\u003e with Jeff Thomas, in partnership with the Ottawa Art Gallery and the National Gallery of Canada (2024). She also co-curated \u003ci\u003e83 ’til Infinity: 40 Years of Hip-Hop in the Ottawa-Gatineau Region\u003c\/i\u003e at the Ottawa Art Gallery (2023) with Kevin Bourne of \u003ci\u003eSHIFTER\u003c\/i\u003e magazine and curator Regatu Asefa. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eRachelle Dickenson, conservatrice, est d’origine allochtone blanche (britannique et irlandaise) et métisse de la Rivière Rouge, apparentée à Jesse (née Pruden) Dickenson, Bert Dickenson et leurs enfants. Elle tient à cette identification, qui témoigne à la fois de son expérience personnelle et de la façon de porter ses proches en elle. Titulaire d’un Ph.D. de l’Université Carleton, à Ottawa, elle a enseigné dans le cadre de programmes d’études en conservation et d’histoire de l’art autochtone et de l’art allochtone blanc. Elle a été récemment co-commissaire de l’exposition \u003ci\u003eNadia Myre. Vagues du désir\u003c\/i\u003e, au Musée des beaux-arts du Canada (2025), et, avec Jeff Thomas, de l’exposition \u003ci\u003eLes histoires que mon père n’a pu me conter. Les spéculations futuro-historiques de Jeff Thoma\u003c\/i\u003es, présentée en partenariat par la Galerie d’art d’Ottawa et le Musée des beaux-arts du Canada (2024). Elle a également été co-commissaire, avec Kevin Bourne, du magazine \u003ci\u003eSHIFTER\u003c\/i\u003e, et la conservatrice Regatu Asefa de l’exposition \u003ci\u003eDemain c’est loin. 40 ans de hip-hop dans la région d’Ottawa-Gatineau\u003c\/i\u003e (2023), proposée par la Galerie d’art d’Ottawa. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eGreg A. Hill is a multidisciplinary artist, curator, and consultant. From Fort Erie, Ontario, he is a Kanyen'keháka (Mohawk) member of the Six Nations of the Grand River. Hill’s artworks, primarily in performance, installation, and digital imaging, explore aspects of colonialism, nationalism, and concepts of place and community through the lens of his Kanyen'keháka and settler French ancestry. As a curator, Hill has worked in museums for almost 30 years, most notably as the National Gallery of Canada’s Audain Senior Curator of Indigenous Art, where he was dedicated to increasing the visibility of Indigenous art through ongoing displays throughout the permanent collection galleries. Hill greatly expanded the collection of Indigenous art, produced a series of retrospective exhibitions for senior Indigenous artists in Canada, and established a series of contemporary international Indigenous art exhibitions from which a leading collection of artworks has been acquired by many of the most significant national and international Indigenous artists of our time. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eGreg A. Hill est artiste multidisciplinaire, conservateur et conseiller. Né à Fort Erie, en Ontario, il appartient au peuple kanyen'keháka (mohawk), membre des Six Nations de Grand River. Sa pratique, fondée essentiellement sur la performance, l’installation et l’imagerie numérique, explore le colonialisme, le nationalisme et les concepts de lieu et de communauté dans la perspective de ses ancêtres kanyen'keháka et des colonisateurs français. À titre de conservateur, il a travaillé dans divers musées pendant près de 30 ans, notamment comme conservateur principal de l’art autochtone, Fonds Audain, au Musée des beaux-arts du Canada, dédiant notamment son mandat à la visibilité de cet art grâce à des présentations continues dans les galeries consacrées à la collection permanente. Il a d’ailleurs enrichi considérablement la collection d’art autochtone du Musée, organisé des rétrospectives d’artistes autochtones précurseurs, au Canada, et créé une série d’expositions d’art indigène contemporain de partout au monde qui ont suscité l’engouement des collectionneurs pour la crème des artistes autochtones de notre époque, d’envergure nationale et internationale. \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003eChristine Lalonde is a settler Canadian and a curator at the National Gallery of Canada, where she has worked across collections, primarily those of Indigenous and Canadian art. Her notable projects at the gallery include \u003ci\u003ePucker Up! The Lipstick Prints of Joyce Wieland\u003c\/i\u003e (2025), \u003ci\u003eNick Sikkuark: Humour and Horror\u003c\/i\u003e (2023), \u003ci\u003eÀbadakone | Continuous Fire | Feu continuel\u003c\/i\u003e (2019), \u003ci\u003eSakahàn: International Indigenous Art\u003c\/i\u003e (2013), \u003ci\u003eSanaugavut: Inuit Art from the Canadian Arctic\u003c\/i\u003e (2010, New Delhi), \u003ci\u003eUuturautiit: Cape Dorset Celebrates 50 Years of Printmaking\u003c\/i\u003e (2009), \u003ci\u003eBeauty in a Common Thing: Drawings and Prints by L.L. FitzGerald\u003c\/i\u003e (2004) and \u003ci\u003eThe Wilderness of War: David Milne’s Watercolours of the First World War\u003c\/i\u003e (1995). \u003c\/p\u003e\u003cp\u003eChristine Lalonde, Canadienne allochtone, est conservatrice au Musée des beaux-arts du Canada, où elle s’occupe de diverses collections, principalement d’art autochtone et canadien. Parmi ses réalisations les plus notables, citons \u003ci\u003eÀ pleine bouche! Les estampes au rouge de Joyce Wieland\u003c\/i\u003e (2025), \u003ci\u003eNick Sikkuark. Humour et horreur\u003c\/i\u003e (2023), \u003ci\u003eÀbadakone | Continuous Fire | Feu continuel\u003c\/i\u003e (2019), \u003ci\u003eSakahàn. Art indigène international\u003c\/i\u003e (2013), \u003ci\u003eSanaugavut. L’art inuit de l’Arctique canadien\u003c\/i\u003e (2010, New Delhi), \u003ci\u003eUuturautiit. Cape Dorset célèbre 50 ans de gravure\u003c\/i\u003e (2009), \u003ci\u003eLa beauté dans une chose ordinaire. Les dessins et estampes de L.L. FitzGerald\u003c\/i\u003e (2004) et \u003ci\u003eLes dévastations de la guerre. David Milne, aquarelles de la Première Guerre mondiale\u003c\/i\u003e (1995). \u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e272 pages\u003cbr\u003ePub date: January 1, 2020\u003cbr\u003e","brand":"Rachelle Dickenson, Greg A. 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